El 2020 fue un desastre alimentado por una pandemia que mantuvo a los cinéfilos en casa para ver sus películas. Y aunque muchos de nosotros volvimos al cine en el 2021, las cosas se mantuvieron un tanto mixtas: algunos éxitos de taquilla regresaron (más que todo gracias a Marvel y James Bond), pero los servicios de streaming persistieron, incluso mostrando filmes el mismo día por Internet que en el cine (lo sentimos, Denis Villeneuve). Los últimos 12 meses continuaron siendo algo extraño, pero nuestro principal consuelo fue que este año hubo películas increíbles de ver en la gran pantalla (¡Dune!) y que estas estuvieron más disponibles que nunca antes.

Sin duda ha sido un año de madres extrañas y de bebés concebidos con autos, bebés cordero, bebés Annettes, de reverendas madres como en Benedetta, y de madres paralelas. También ha sido un año de franquicias que han jugado con la nostalgia y los multiversos, desde The Matrix Resurrections hasta Spider-Man: No Way Home; pero sobre todo, ha sido un año de cine fuerte y lento, y un año de películas de terror inolvidables, para bien o para mal (Malignant, te estamos viendo), musicales (muy buenos y muy malos), y documentales para el recuerdo. Si el 2021 tuvo algo bueno, es que tuvimos más tiempo y capacidad para buscar y ver el cine que queríamos ver, y ciertamente lo hicimos. En medio de todo esto, algunas obras realmente se alzaron por encima del resto en 2021. Aquí están las mejores películas del año para MOR.BO.

30. Zola | Dir. Janicza Bravo

Basada en un hilo viral de Twitter de 2015 de A’Ziah “Zola” Wells, una camarera de Detroit, la película sigue a Zola (interpretada por Taylour Paige) mientras viaja con una nueva “amiga”, el novio de la amiga y su “compañera de piso”, a Tampa, Florida, para ganar algo de dinero rápido. Por supuesto, el viaje es un desastre, con momentos salvajes y brutales a cada paso. El reparto es casi impecable: Paige está increíble, Colman Domingo lo hace muy bien como siempre, Nicholas Braun (alias Cousin Greg, para los fans de Succession) está perfecto, y Riley Keough es el complemento ideal para Zola.

29. Passing | Dir. Rebecca Hall

Tessa Thompson y Ruth Negga proporcionan el emocionante centro emocional del debut como directora y guionista de Rebecca Hall en la exquisita adaptación de la novela de 1929 de la autora del Renacimiento de Harlem, Nella Larsen, sobre dos mujeres negras a ambos lados de la “línea de color”. La evocación de la Nueva York de la Era del Jazz vive al mismo tiempo que la amenaza constante de desenmascarar a las personas en una consideración reflexiva y conmovedora de la identidad en relación con la raza, el género, la clase y la sexualidad.

28. The Mitchells vs The Machines | Dir. Michael Rianda

The Mitchells vs the Machines puede no ser a primera vista muy prometedora, y, fuera de Disney y Pixar, a veces es difícil que las animaciones originales causen impresión. Sin embargo, es una de las mejores películas del año: El estilo de animación recuerda a Spider-Man: Into the Spider-Verse, el humor meta de The Lego Movie y la inventiva extravagante. Es una mezcla creativa, hilarante y entrañable que tiene un verdadero atractivo intergeneracional. Además, cuenta con la presencia de Olivia Colman en el papel de una malvada asistente virtual, ¿qué más se puede pedir?

27. The Velvet Underground | Dir. Todd Haynes

Ignorada por el público en general en su momento y darlings de Andy Warhol, The Velvet Underground fue, sin embargo, uno de los grupos más influyentes de la historia del rock. En este documental, el director Todd Haynes recorre los singulares orígenes de la agrupación hasta su disolución y posterior legado. El documental incluye entrevistas con figuras clave (incluidos los miembros supervivientes John Cale y Maureen Tucker) junto con música e imágenes de archivo que nos llevan a un increíble viaje en el tiempo con este icónico grupo.

26. Memoria | Dir. Apichatpong Weerasethakul

Memoria es la primera película en inglés del director tailandés Apichatpong Weerasethakul; y hay que confesar que conserva su estilo onírico y contemplativo. Está protagonizada por la siempre increíble Tilda Swinton en el papel de una expatriada escocesa que vive en Colombia y cuya vida se ve trastornada por la irrupción de un fuerte sonido. Ña película es casi un terreno de juego para explorar la alienación humana en formas que parecen resonar a través de los tiempos, retumbando en nuestras mentes como un sonido misterioso que reverbera desde la inmensidad del tiempo y el espacio.

25. The French Dispatch | Dir. Wes Anderson

Wes Anderson es el rey de la miniatura, un detallista, un devoto de la elegancia y la precisión: muchos podrían decir que su meticulosidad roza la poesía. Así que su homenaje al periodismo, The French Dispatch, está lleno de referencias y citas. Armada en partes como si fuese el número final de una publicación cuyos artículos experimentamos en cada segmento, rebosa de ideas e invenciones, y a veces roza el exceso: el blanco y negro sigue al color, una persecución de coches se convierte en un dibujo animado, los coches de tracción delantera zigzaguean por las calles de una ciudad imaginaria. Como si fuera poco, la música está inspirada en Erik Satie, y una galería de personajes desfilan a una velocidad vertiginosa. Hay que tener los ojos bien abiertos para ver a Elisabeth Moss, Liv Shreiber, Benjamin Lavernhe y Edward Norton, entre otros, y si bien a veces el hilo central se pierde, visualmente es tan exquisita que merece la pena ser incluida en esta lista.

24. Barb and Star Go to Vista Del Mar | Dir. Josh Greenbaum

A veces, nos encontramos con una comedia tan especial que se convierte en una de nuestras favoritas: este es el caso de Barb & Star Go To Vista del Mar, que lo que ocurre cuando dejas que dos mujeres geniales hagan lo que quieran y lo que quieren resulta ser una comedia de acción ambientada en la turística Florida con dos mujeres de mediana edad a las que les encantan los culottes. En la cinta, Kristen Wiig y Annie Mumolo interpretan a Barb y Star, unas amigas de toda la vida, quienes se embarcan en la aventura de su vida cuando deciden abandonar su pequeño pueblo por primera vez… en su vida. Es extraordinaria porque al igual que heroínas de pelo esponjoso, no se disculpa por lo que es: tiene canciones absurdas e increíbles, momentos de gozo absoluto y el mejor rol de la carrera de Jamie Dornan.

23. Swan Song | Dir. Benjamin Cleary

Protagonizada por Udo Kier en un papel poco habitual, Swan Song es una película sobre un peluquero retirado que es contactado tras la muerte de un antiguo cliente y se le pide que le peine para su funeral. Abandona en secreto la residencia de ancianos en la que vive y emprende un viaje por la ciudad, encontrándose por el camino con personas de su pasado. Aunque la película es bastante divertida en muchos aspectos, sus momentos más serios golpean con fuerza, en gran medida por la increíble interpretación de Kier. Única y convincente, Swan Song es una película es un viaje cómico y agridulce sobre el redescubrimiento de nuestra propia chispa, y el hecho de estar guapísimo mientras lo hacemos.

22. The Green Knight | Dir. David Lowery

En The Green Knight, el director David Lowery da un giro meditativo a la leyenda artúrica en esta fantasía medieval. Adaptada del poema del siglo XIV Sir Gawain y el Caballero Verde, esta película sigue al testarudo Sir Gawain (interpretado por un excelente Dev Patel) en su búsqueda para enfrentarse al Caballero Verde, un gigantesco forastero de piel esmeralda que prueba a los hombres. Gawain se enfrenta a fantasmas, gigantes, ladrones e intrigantes en lo que se convierte en un viaje más profundo para definir su carácter y demostrar su valía a los ojos de su familia y su reino enfrentándose al último desafío. Honor, valentía y los valores de la leyenda artúrica son la columna vertebral de la cinta.

21. The Lost Daughter | Dir. Maggie Gyllenhaal

Como actriz, Maggie Gyllenhaal ha demostrado que puede encarnar las complejidades de los personajes femeninos imperfectos con una facilidad empática; así que como directora maneja maravillosamente las experiencias de la imperfecta protagonista en la adaptación a la pantalla de la novela de Elena Ferrante, The Lost Daughter. En la película, el debut de Gyllenhaal como directora, una madre (Olivia Colman) de vacaciones en Grecia se enfrenta a complicados sentimientos por no haber podido querer a sus dos hijas cuando eran niñas, mientras entabla amistad con una joven madre (Dakota Johnson) en la playa que experimenta su propio descontento maternal. Presentada en dos líneas temporales diferentes, la cinta capta no solo la incomodidad de la maternidad, sino también lo que supone lidiar con la falta de remordimientos al respecto.

20. Madres Paralelas | Dir. Pedro Almodóvar

La última colaboración de Pedro Almodóvar con Penélope Cruz es uno de sus mejores trabajos en años: en Madres Paralelas, las historias entrelazadas de Janis (Cruz) y Ana (la recién llegada Milena Smit), que se hacen amigas tras dar a luz el mismo día y compartir habitación en el hospital, constituyen la columna vertebral de la película. Almodóvar conecta entonces su historia actual sobre la maternidad y la amistad con el pasado: Janis intenta recuperar los restos de su bisabuelo, una de las decenas de víctimas de la Guerra Civil española cuyos cuerpos fueron enterrados en fosas comunes y nunca fueron identificados. Las líneas argumentales paralelas se unen de forma hermosa y estremecedora.

19. Saint Maud | Dir. Rose Glass

La piedad se convierte en algo aterrador en la sorprendente película de Rose Glass, que trata de los peligros de ser un verdadero creyente y de ser atendido por uno. A medida que la enfermera Maud (Morfydd Clark) se va acercando a la persona enferma de linfoma que tiene a su cargo (Jennifer Ehle), también se sumerge en sus propios delirios de grandeza, imaginándose a sí misma como una figura salvadora, incluso cuando está perdiendo el control de la realidad. Si uno de los mandatos del cine de terror es provocar reacciones fuertes, Glass cumple la tarea tanto en términos intelectuales como viscerales, con una imagen final cuya intensidad se aloja en el subconsciente para jamás abandonarlo.

18. Wojnarowicz | Dir. Chris McKim

Este importante documental examina la vida y la época del revolucionario artista y activista David Wojnarowicz. En el punto álgido de la epidemia de SIDA, Wojnarowicz utilizó su obra creativa como una llamada a la acción contra la indiferencia del establishment, con obras disruptivas y valientes que casi gritaban y denunciaban la inacción de los gobiernos mientras toda una generación moría a manos del virus. El documental repasa su extensa producción y ofrece entrevistas con amigos y familiares, y nos recuerda lo poderoso que puede ser el arte en las manos de hombres visionarios como este.

17. The Tragedy of Macbeth | Dir. Joel Coen

La versión despojada de Joel Coen de la obra escocesa es furiosa, angustiosa y elemental, ocupando instantáneamente su lugar entre las grandes adaptaciones de Shakespeare a la pantalla, con inquietantes visuales en blanco y negro. En el papel de un asesino escocés que sería rey y de una esposa manipuladora que alimenta sus ansias de poder, Denzel Washington y Frances McDormand son un par incomparable, encarnando no solo la ambición despiadada, sino también una carrera contra el tiempo para asegurar su lugar en la historia. Kathryn Hunter, que interpreta a las tres brujas, consigue una interpretación extraordinaria.

16. The Sparks Brothers | Dir. Edgar Wright

Sparks tuvieron un excelente 2021 en lo que a cine se refiere: no solo crearon el guion y la música de la excéntrica Annette de Leos Carax, sino que fueron el objeto de este excelente documental, en donde finalmente pudimos recorrer 55 años de carrera musical y saber por qué Ron y Russell Mael conforman el grupo favorito de nuestras bandas favoritas. En un poco más de dos horas, Edgar Wright nos pasea por su ingenio, sus peculiaridades y su música, y si antes no los amabas, este film seguramente te hará un fan.

15. Drive My Car | Dir. Ryûsuke Hamaguchi

En esta excelente película de Ryûsuke Hamaguchi, basada en un fragmento de un cuento de Haruki Murakami, la muerte de su esposa hace que un director de teatro experimental procese su dolor a través del arte con una puesta en escena multilingüe de la obra Uncle Vanya. Pero es en el vínculo cada vez más profundo que forja con una joven a la que se le asigna como chofer, y el sentimiento compartido de pérdida que surge durante sus viajes diarios en ese auto Saab rojo (otro personaje más), donde esta exploración de la conexión humana revela momentos inolvidables sobre el perdón.

14. Riders of Justice | Dir. Anders Thomas Jensen

Riders of Justice sigue a Markus (Mads Mikkelsen), que acaba de ser enviado a casa para cuidar de su hija adolescente después de que su esposa muere en un trágico accidente de tren. Pero cuando un superviviente del tren siniestrado lo contacta afirmando que todo fue planeado… Markus empieza a sospechar que su mujer fue asesinada y se embarca en una misión de venganza para encontrar a los responsables. Si suena a John Wick, pues tiene algo de eso, pero Riders of Justice es una película extraña y maravillosa: trata de personas que resuelven sus problemas de la mejor y peor manera posible. Aprenden sobre la unión, el vínculo, la franqueza, el asesinato de personas. Quizá esto último no sea tan bueno, pero la banda de colegas que se forma aquí persiguen la idea de conseguir la salud mental en lugar de simplemente aguantarse como hombres de verdad. Es un un drama cómico con ráfagas de acción, patetismo filosófico y afirmaciones divertidas y veraces sobre no tener miedo a dejar que otros se ocupen de nosotros durante un tiempo.

13. Framing Britney Spears | Dir. Samantha Stark

En febrero, se estrenó uno de los documentales más impactantes del año, al menos en lo que a cultura pop se refiere: Framing Britney Spears, una investigación del diario The New York Times sobre el régimen de tutela de la cantante, y que no solo resumió el sexismo que sufrió durante su mejor momento por parte de la prensa, sino la persecución constante de los paparazzi que acabaría en el triste episodio que todos conocemos, en donde su salud mental se vio involucrada. Ese momento de quiebre dio paso al sistema de tutela que estuvo manejado por el padre de Britney, Jamie, durante 13 años y sirvió de catalizador para que la opinión pública se diera cuenta de lo que había vivido, lo que estaba pasando, se pusiera de su lado y ejerciera presión para que finalmente, quedara libre el mes pasado.

12. Pig | Dir.Michael Sarnoski

En la increíble película Pig, vemos a un hombre llamado Robin Field (Nicolas Cage, en uno de sus mejores roles hasta ahora), antiguo chef estrella de Portland, que le ha dado la espalda a la fama y a la ciudad por una cabaña en los bosques de Oregón. Desgreñado, lavando en los arroyos, la única compañía de Rob es su fiel cerdita, con la que disfruta de las tartas de champiñones. Juntos encuentran trufas, que luego son vendidas a Amir, un proveedor de artículos de lujo. Una noche, una banda de drogadictos irrumpe en su casa y secuestra al cerdo, obligando a Rob a volver a la civilización. Una de las películas más honestas y conmovedoras sobre el duelo, Pig mantiene el valor de admitir que el dolor nunca desaparece realmente porque encuentra la claridad para reconocer que las personas que amamos nunca se van realmente.

11. Dune | Dir. Denis Villeneuve

No hay otra manera de decirlo: Dune fue uno de los espectáculos más increíbles que vimos este año, y ciertamente valió la pena volver al cine para disfrutar en la pantalla grande la épica sci-fi de Denis Villeneuve. Extraordinaria, gigantesca, monumental. Todo esto y más fue Dune. Como director inspirado, Villeneuve orquesta un ballet, a veces épico, a veces melancólico, a través de una puesta en escena exquisita, acercando la película a una obra de arte pura, dopada de reflexiones sobre nuestra relación con los demás y la explotación de los recursos naturales. Esto es suficiente para que estemos impacientes por ver la secuela, prevista para 2023, y que estamos seguros de que volverá a hacer magia en la gran pantalla.

10. Flee | Dir. Jonas Poher Rasmussen

A lo largo del asombroso documental del guionista y director Jonas Poher Rasmussen sobre un afgano, Amin Nawabi, que relata su angustiosa experiencia al emigrar a Dinamarca, hay una notable sensación de anonimato: parte de ello se debe al hecho de que se trata de una representación animada de las entrevistas de Rasmussen con Nawabi, distanciando visualmente al público del tema de la película. En un momento dado, Nawabi incluso pide dar la espalda a la cámara para poder contar su propia historia. Y, sin embargo, hay una intimidad que se forma entre el público y Nawabi a través de su narración, que describe todo, desde que se dio cuenta de que era gay cuando era niño, pasando por las horribles condiciones que le obligaron a separarse de su familia, hasta que finalmente encontró el amor. Una narración tanto sobre el trauma como sobre el triunfo, Flee es un logro trascendental.

9. Licorice Pizza | Dir. Paul Thomas Anderson

En Licorice Pizza, Paul Thomas Anderson vuelve al Valle de San Fernando con esta comedia romántica con temas de madurez. Ambientada en los años 70, sigue a un adolescente (Cooper Hoffman) y a una chica mayor (Alana Haim en su debut como actriz y la estrella de la cinta) en una serie de desventuras. El brillo nostálgico de la película y su estructura más suelta suponen un cambio algo brusco respecto a los trabajos más recientes de Anderson, pero conserva el encanto del director.

8. Belfast | Dir. Kenneth Brannagh

La película favorita del festival de otoño (ganadora del premio del público en el Festival Internacional de Cine de Toronto y ciertamente candidata al Oscar) es a la vez grandiosa e íntima, pegajosa y sorprendentemente violenta, afirmativa y cínica. Ambientada en los conflictos entre protestantes y católicos en la Irlanda de finales de la década de 1960, es el drama semiautobiográfico del director Kenneth Branagh visto a través de los ojos de un niño de 12 años obsesionado con el cine y la búsqueda de chicas. En su corazón, es una carta de amor a Irlanda del Norte, y a todos los que partieron buscando una mejor vida, pero también a todos los que se quedaron con el corazón roto.

7. House of Gucci | Dir. Ridley Scott

Si somos sinceros y empatizamos con la familia Gucci, el segundo filme de Ridley Scott del 2021 es un poco largo, con ritmo cuestionable y juega demasiado con los hechos reales. Pero, aparte de eso es quizás las dos horas y media más entretenidas que pasamos en una sala este año. La disparatada historia real que narra el desmantelamiento del imperio italiano de la moda es también un show increíblemente divertido y kitsch, y Lady Gaga, en el papel de la esposa despechada y obsesionada con el estatus, se calza sus finas botas de cuero y pisotea a todos los que se atrevan a atravesarse en su camino. Icónica.

6. The Beatles: Get Back | Dir. Peter Jackson

En 2021 ha sido un año extraordinario para los documentales musicales gracias a revelaciones como Summer of Soul de Questlove, y The Velvet Underground, de Todd Haynes, que pueden encontrar en esta lista. Pero las ocho horas de The Beatles hiladas por el director Peter Jackson son un artefacto cultural abrumador, no solo por la forma en que replantea mucho de lo que sabemos sobre Paul, John, George y Ringo, sino por cómo capta la creación artística y la colaboración en tiempo real, en especial de temas que son considerados como himnos. Aunque Get Back trata de la disolución de la banda y de su último disco, la sincronización entre ellos es a menudo sorprendente y dulce, y ciertamente nos hace preguntarnos cuántas más canciones nos habrían podido regalar si las cosas hubiesen terminado de otra forma.

5. C’mon C’mon | Dir. Mike Mills

Protagonizada por Joaquin Phoenix en el papel de Johnny, un productor de radio al que se le encarga el cuidado de su sobrino Jesse (Woody Norman) durante unas semanas de crisis familiar, la encantadora y tierna comedia del guionista y director Mike Mills trata de cómo está bien no saber lo que uno hace, y que todos intentamos hacerlo lo mejor posible. Es un cambio maravilloso ver a Phoenix interpretando a una persona cálida y agradable, y las relaciones entre Johnny, Jesse y Viv (Gaby Hoffmann), la hermana de Johnny y la madre de Jesse, son reales y vívidas. Al igual que las otras películas de Mills sobre padres e hijos, C’mon C’mon es dulce sin ser empalagosa; pero aún así, terminas con los ojos llenos de lágrimas.

4. Summer of Soul (or, When the Revolution Could Not Be Televised) | Dir. Ahmir “Questlove” Thompson

La película de Questlove sobre el Festival Cultural de Harlem de 1969 es sin duda una de las joyas de este año: presenta imágenes impresionantes e irresistibles de Stevie Wonder, Nina Simone y toda una lista de grandes del jazz, el pop, el blues y el rock negro del siglo XX en su mejor momento. Cada set es un auténtico polvorín de melodía y ritmo, y las canciones se disparan una tras otra. Por otro lado, Questlove se esfuerza por reforzar el peso sociológico de su película, y no cesa de recurrir a testigos expertos y a los músicos que participaron en el festival para deconstruir el significado de lo que estamos viendo y escuchando. Una excelente muestra de la cultura popular transformadora de una época en particular.

3. Titane | Dir. Julia Ducournau

La ganadora de la Palma de Oro de este año es salvaje, sexy, y lo más cercano a la alucinación. Para su segunda película, Julia Ducournau nos ofrece una aventura demente: basta con pensar en la escena que los espectadores llevan meses analizando: La heroína, la modelo de automóviles Alexia (Agathe Rousselle), mantiene relaciones sexuales apasionadas con un auto y queda embarazada. También tiene una placa de titanio en la cabeza tras un terrible accidente de coche en el que se vio envuelta de niña. Ah, y tiene un segundo empleo como asesina en serie. Pero todo esto es un escaparate para una narración que, como la mayoría del género de terror, apunta a algo mucho más profundo y, por tanto, más sombrío. La sexualidad femenina, los traumas de la infancia y el intenso anhelo familiar son los protagonistas de una historia incómodamente fascinante que podría haberse desmoronado sin la actuación esencial de Rousselle. Aporta tal humanidad a lo aparentemente absurdo que no puedes evitar enamorarte de ella.

2. Spencer | Dir. Pablo Larraín

Después de su biopic de Jackie Kennedy, el extraordinario cineasta chileno Pablo Larraín aborda otra figura femenina mítica, Lady Di. Rodada como una atmosférica e intensa película de terror, en plena Navidad de 1991 en la campiña inglesa, Spencer es una inmersión en la torturada mente de la princesa, perseguida por la infidelidad, un trastorno alimentario, su salud mental, y las exigencias de su vida en la familia real. Con Kristen Stewart haciendo un estudio de personaje profundo y conmovedor, Spencer representa la propia figura de la opresión femenina.

1. The Power of The Dog | Dir. Jane Campion

El primer largometraje de Jane Campion en 12 años es una mirada sutil pero subversiva y perspicaz sobre la masculinidad tóxica y la sexualidad reprimida. Esta adaptación de la novela de Thomas Savage de 1967 es un western como ningún otro, y cuenta con un cautivador Benedict Cumberbatch como el ganadero de Montana Phil Burbank y Jesse Plemons como su hermano George, quien altera el equilibrio de su hogar cuando trae a casa a su frágil esposa Rose, interpretada con dolorosa delicadeza por Kirsten Dunst. Rose cae presa de los crueles juegos de Phil, pero su sensible hijo Peter, en una actuación de Kodi Smit-McPhee que no olvidaremos, desafía las expectativas cambiando el equilibrio de poder, convirtiendo el íntimo drama en un thriller de venganza.

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